随着钢琴的发展，音色可以通过手指的压力来改变

　　钢琴的发展是由于古钢琴和羽管键琴的局限性突破。古钢琴的声音非常弱，基本上不能用于公开演奏；羽管键琴虽然更亮，但不能改变音色。巴赫和亨德尔使用古钢琴和羽管键琴，但他们的键盘音乐充满了装饰性的声音(ornaments)——颤音、回音、倚音、波音，以代替声音的延续和力度的变化。

　　随着钢琴的发展，音色可以通过手指的压力来改变。这取代了对太多装饰性声音的依赖，突出了纯粹的旋律。巴赫的儿子C·P·E·巴赫（1714-1788）提出了这首歌的演奏风格，并声称要在键盘乐器上演唱。他是一个以旋律和伴奏的形式创作的作曲家之一，这直接影响了奏鸣曲式的发展。他还两次（1753年和1762年）出版了论文《钢琴演奏的艺术》，这是一个关于键盘演奏的理论教程。由于他发展的演奏技术和为支持他的理论而创作的键盘音乐，他可以被认为是“钢琴演奏之父”。

　　随着维也纳轻动作机钢琴的改进，海顿和莫扎特可以建立奏鸣曲式(sonataform)结构模块之一——个性化旋律从背景中清晰地凸显出来。虽然莫扎特更广泛地使用钢琴，更少地使用早期的键盘乐器，但他继承了羽管键琴的键盘控制风格，温和而紧凑，并不时地带来一些丰富多彩的效果。

　　克莱门蒂(Clementi,1752-1832)海顿和莫扎特追随他的音质、速度和独立于伴奏的旋律理论，他的《艺术津梁》(GradusadParnassum)这是键盘演奏技术的圣经。他还提出了一种系统的方法来加强弱手指的力量。与海顿和莫扎特不同，克莱门蒂喜欢英国钢琴的锤击方式，可以产生更强、更清晰的音色。

　　贝多芬也喜欢用更重的英国钢琴。他是一个奇怪的表演者。他追求音乐中响亮的音乐，而不是优雅的东西，并要求从深刻的情感中产生快速的音色。他的同龄人冯·韦伯(Von·Weber,1786-1862和车尔尼(Czerny,1791-1857)还支持贝多芬强大的演奏和表达方式，充满创新精神。韦伯是音乐会的钢琴家和作曲家。他发明了一些技巧——大胆使用左手而不仅仅是伴奏，散射性和广泛的和声——并很快被同时代的作曲家所接受。为了加强演奏的速度和流畅性，车尔尼写了一首钢琴练习曲。

　　舒曼和肖邦协调轻轻使用延音踏板，演奏优美诗意的音色（具有讽刺意味的是，人们从一开始就认为音质是钢琴改进的主要弱点），并确立了这种音色的艺术价值。肖邦意识到了手的根本弱点，并建立了自己的技能。他的技能练习曲——钢琴练习曲.10、钢琴练习曲Op.《25》灵感地展现了手在自然放松状态下的演奏。另一位钢琴家塔尔贝格格(Thalberg,1812-1871)获得了一种非凡的能力，可以让钢琴听起来像唱歌，这激励了门德尔松在许多歌曲《无词歌曲》中表现出旋律的力量。

　　李斯特继续沿着肖邦的道路前进，但他追求更强烈的音色。他在键盘旁坐得更高，以增加肩膀和手臂自由下落的力量。他用延音踏板解脱手，下次击键。他在《十二超技练习曲R》中.2b融入了他的革命性思想，增强了音量。为了支持李斯特及其追随者雄伟的表演风格，钢琴制作人为键增加了几盎司的阻力。对于李斯特的直接追随者来说，技能本身就变得重要了，音量的增加往往是以失去丰富的音色为代价的。